色彩，自古以来便是人类表达情感、记录历史的重要媒介。在漫长的历史长河中，人们对色彩的追求从未停歇，而“标准”与“鲜艳”这两个词，也时常在不同的时代背景下被赋予不同的意义。
据一些记载，早期的色彩使用更多是基于功能性而非审美。例如，古代埃及人用赭石和孔雀石制作颜料，主要用于壁画和墓葬装饰，这些色彩的选择并非为了追求鲜艳，而是为了表达对神灵的敬畏和对来世的期望。有人提到，古希腊的陶器上常见的红黑两色，虽然看似单调，但在当时的工艺条件下，已经是最为稳定和持久的色彩选择。
到了中世纪，宗教的影响使得色彩的标准化变得尤为重要。教堂的彩色玻璃窗、圣经的手抄本插图，都需要严格的色彩规范来传达神圣的信息。据记载，当时的艺术家们会使用特定的颜料配方，以确保每一件作品的色彩都能符合教会的标准。这种标准化不仅体现在色彩的选择上，还延伸到了制作工艺和保存方法上。
随着文艺复兴的到来，人们对色彩的追求开始从标准化转向个性化和鲜艳化。达·芬奇、米开朗基罗等大师的作品中，丰富的色彩层次和鲜明的对比开始成为主流。据说，达·芬奇在创作《蒙娜丽莎》时，曾尝试过多种颜料组合，以达到他心目中最完美的肤色效果。这种对鲜艳色彩的追求，不仅体现了艺术家个人的审美倾向，也反映了当时社会对个性和自由表达的渴望。
进入工业革命后，化学工业的发展为色彩的生产带来了革命性的变化。合成染料的出现使得人们可以大规模生产出鲜艳且稳定的颜色。据一些记载，19世纪末期的一些纺织品展览会上，鲜艳的红色、蓝色和绿色成为了最受欢迎的产品。这种对鲜艳色彩的追求也引发了一些争议。有人认为，过度鲜艳的颜色会破坏传统的美学标准；也有人提出，工业化的生产方式可能会导致色彩的标准化过于僵化。
到了20世纪初的艺术领域中也有类似的争论发生过几次转变——比如印象派画家们开始使用更为明亮的颜色来捕捉光影的变化；而到了现代主义时期则又出现了对纯粹形式与抽象概念进行探索的现象……总之在艺术史上关于“标准”与“鲜艳”的问题似乎总是伴随着新的技术与观念不断被重新定义着呢！
